La artista Cora Calderón ha convertido su obra en un espacio de resistencia, memoria y denuncia. Artista plástica profesional con una profunda sensibilidad social, ha sido reconocida internacionalmente por su técnica y su compromiso con temáticas urgentes como la infancia vulnerada, el abuso, la identidad y los conflictos históricos. Desde sus primeros trazos hasta sus proyectos más recientes, su trabajo ha sido un canal para transformar el dolor en reflexión y el arte en herramienta de cambio. En esta entrevista, Cora comparte los orígenes de su vocación, los procesos detrás de sus obras más emblemáticas y su visión del panorama artístico actual en el Perú.

1. ¿Qué recuerdos guardas de tus primeros acercamientos al arte? ¿Hubo algún momento decisivo que marcó tu camino como artista visual?

Creo que mis acercamientos al arte no difieren del resto de artistas que desde pequeños hemos sentido ese impulso por dedicarnos al dibujo o a la pintura como en mi caso. La decisión de dedicarme al Arte como profesión fue cuando renuncié a un trabajo estable con todos los beneficios laborales que gozaba en aquel entonces y decidí estudiar la carrera a tiempo completo en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú hoy Universidad. Fue una etapa difícil desde el aspecto económico, pero fue valioso en aprendizaje y experiencias artísticas que fortalecieron mi espíritu, todas esas dificultades que pasé hoy las recuerdo con cariño porque logré superarlas.

2. “La cereza del pastel” aborda un tema tan delicado como urgente: el abuso infantil y la cultura del silencio que lo rodea. ¿Cómo surgió la necesidad de transformar esta denuncia en un proyecto artístico, y qué desafíos enfrentaste durante su creación?

Durante 2 años este tema me urgía expresarlo, estaba rondando en mi cabeza imágenes al respecto. La motivación se inició por comentarios ajenos de justificar el abuso infantil como parte de la cultura o parte de nuestra tradición, argumentos llenos de falacia que sirven para encubrir a los perpetradores o a organismos internacionales que operan sobre poblaciones vulnerables o familias que desconocen sus derechos y son abordadas con publicidad o mensajes por las redes engañosas. Siempre tiendo a empaparme sobre el tema, recoger información a través de publicaciones, artículos de investigación, noticias, etc.

“La trata de personas es un problema mundial, una de cada cinco víctimas de la trata es un niño, en las regiones y subregiones más pobres como Latinoamérica, en África, por ejemplo, los niños son utilizados para explotación laboral, sexual o tráfico de órganos. En el mundo, dos terceras partes de las víctimas son mujeres. En el Perú solo se han registrado 29,400 casos y solo 688 casos han sido atendidos”.

«Pienso que mi labor como artista no solo es con mi obra, sino con la comunidad en donde vivo. Sé que suena romántico, pero ¿Qué artista no lo es?»

3. ¿Podrías contarnos más sobre el proceso detrás de una de tus obras de gran formato?

Esta obra pertenece a mi individual “El delirio del recuerdo” que abordaba temáticas personales, el tenedor se convirtió en el medio expresivo de mis emociones no pronunciadas, calladas y estancadas en mi columna. Las formas sinuosas que me proporcionaba la madera a través de sus nudos y vetas hicieron que las imágenes proyectadas se convirtieran en un lenguaje simbólico y a la vez poético.

Otra obra es recientemente “R – 34” que está inspirado en una investigación que realicé sobre la prostitución infantil durante los conflictos bélicos. Empecé investigando sobre fotografías de pornografía que se les tomaba a los niños durante la ocupación norteamericana en los países vencidos durante la II Guerra Mundial y los datos eran alarmantes, esto siempre se da, así que hoy día estas criaturas siguen siendo invisibilizadas.

Asimismo, el título alude a la regla 34 o rule 34, una «regla de Internet» que afirma que la pornografía en Internet existe con respecto a todos los temas imaginables. El concepto se representa comúnmente como fan art que se involucra en un comportamiento sexual. También puede incluir escritos, gifs, videos o cualquier otra forma de medio a la que Internet ofrezca oportunidades de proliferación. Esto es permitido por las plataformas antes mencionadas sin ninguna autorregulación.

¿Qué desafíos y descubrimientos implica trabajar a esa escala?
Cuando trabajo a gran escala es como ver la imagen que la tengo en mi cabeza en grande; es emocionante, me llena de adrenalina y entusiasmo empezar a manchar, dibujar y luego empastar. Lo interesante es que nunca sale igual a lo que me imagino. En el proceso confluyen ideas, sentimientos, dudas. A veces lo dejo un tiempo porque no sé cómo resolver un problema, ya sea de color, forma, textura o formato. En algunos casos vuelvo a empezar de cero. Conforme uno va realizando y culminando una obra siento que voy aprendiendo más, eso me incentiva a seguir trabajando la imagen.

«La mirada de los artistas hombres se ha perpetuado por siglos; debemos dar una nueva lectura a los mitos y leyendas de cualquier tipo.»

4. Eres cofundadora de Taller Bellas Artes y del Grupo Camaná 878. ¿Qué importancia tiene para ti crear espacios colectivos para la producción y difusión del arte?

Taller Bellas Artes tiene más de 25 años de existencia. Cuando se inició, buscamos crear un espacio con una metodología dinámica, donde los artistas y estudiantes convergen en un espacio de aprendizaje en todas las áreas del arte como las artes plásticas, la música, el cine, visita a museos, galerías y talleres de artistas. Del Taller Bellas Artes han salido muchos jóvenes que luego de estudiar en la ENSABAP hoy son artistas destacados en el rubro del arte o en otros campos siempre ligados al Arte. Me siento orgullosa de haber sido parte de ese cambio que hoy estamos viviendo en la actualidad.

Camaná 878 es diferente: es una agrupación de artistas unidos para la creación de proyectos artísticos como exposiciones, ferias de arte, talleres, charlas o conferencias con la finalidad de sensibilizar a la población e incentivar el cultivo del arte como parte de nuestra vida. La importancia de seguir creando estos espacios es necesaria. Cada vez perdemos nuestra humanidad, nos volvemos máquinas en un mundo sistematizado, caótico y con crisis moral.

Pienso que mi labor como artista no solo es con mi obra sino con la comunidad en donde vivo. Sé que suena romántico, pero ¿qué artista no lo es? Trabajo en mi taller, pero cuando converso con mis estudiantes siento la misma inquietud y deseo de mejorar el mundo que lo viví cuando era de su edad. Quiero que mis estudiantes tengan las herramientas necesarias para defenderse en este mundo, sobrevivir y luego hacerse fuertes como los árboles para luego dar frutos.

5. ¿Cuáles son los artistas que consideras fueron los más influyentes en tu obra?

Admiro a esas mujeres del pasado que crecieron en un mundo adverso y lograron levantarse cuando todo estaba en su contra. Mujeres como Aurore Lucile Dupin, baronesa de Dudevant, destacada escritora y periodista que firmaba sus obras bajo el seudónimo de George Sand, una mujer que en su literatura denuncia la vida social a la que estaba sometida la mujer del siglo XIX.

Otra artista que me impresiona su obra es Louise Bourgeois, artista franco-estadounidense conocida por sus esculturas que exploraban temas como el miedo, la soledad y el trauma. Tuve la oportunidad de ver una muestra retrospectiva de ella donde no solo estaba la famosa araña negra, sino piezas colocadas en espacios interiores como dormitorios o cocinas, alacenas repletas de vajillas que transmitían la sensación de asfixia, angustia y dolor, además de cuerpos tejidos unos contra otros.

Y las Guerrilla Girls es otra agrupación de la década del 80 que también son parte de mi admiración porque su lucha por los derechos de las mujeres artistas, sus pancartas con tabúes, prejuicios y paradigmas marcó un antes y un después. A partir de ellas se reescribió la historia del arte, hoy gozamos de abundante historia de artistas y que se continúa con las nuevas generaciones.

6. ¿Con cuál de todas tus creaciones tienes una conexión personal?

Hubo una época que realicé una serie de autorretratos, este es uno de ellos. Me parece importante porque es una forma de auto conocernos y analizar nuestro pasado. En este caso analicé mi vida familiar, mi casa materna y el desarrollo de mi personalidad. “De…generación” continúa en esa línea de exploración personal.

Esta obra es muy especial porque marcó el inicio de una serie de trabajos que realicé en madera, pero con temática social y que fue parte de mi tesis para titularme como Artista plástica profesional. La temática gira alrededor de la relación de Perú-Bolivia-Chile durante la Guerra del Pacífico 1879 y que duró hasta 1884 con la ocupación chilena. Además, analiza la presencia de Chile en la economía actual del Perú: hay más de 400 empresas chilenas que operan y desarrollan alrededor de 800 proyectos, según datos de 2020 (Subrei). Estas empresas abarcan diversos sectores como minería, servicios financieros, construcción y comercio.

7. ¿Cómo ves el panorama del arte contemporáneo en el Perú? ¿Qué te entusiasma y qué te preocupa?

En estas dos últimas décadas he visualizado gran diversidad de propuestas, dinamismo con artistas que exploran una amplia gama de medios y temáticas, incluyendo la incorporación de nuevas tecnologías y la reflexión sobre temas sociales y ambientales. Se aprecia una creciente interacción con el público y un posicionamiento del arte peruano a nivel internacional.

La presencia de jóvenes artistas que trabajan colaborativamente para abordar problemáticas específicas y generar impacto en la comunidad. Lo que ayuda también en la difusión son las redes sociales y la manera como creativamente llegan al mayor número de público asistente a través de activaciones, talleres, visitas guiadas, etc. Esto ha traído como consecuencia que nos volvamos más exigentes con nuestro trabajo y el deber que tenemos con nuestro público.

Han desaparecido los antiguos espacios culturales, pero vuelven a aparecer nuevos espacios no convencionales que brindan oportunidad de mostrar nuestro trabajo. Esto resulta alentador para nosotros, pero por otra parte las principales instituciones del Estado que deben apoyarnos no lo hacen, no hay leyes de protección para nuestra labor, no contamos con apoyo económico, incluyendo seguridad social, seguros de salud y acceso a beneficios sociales, además de reconocimiento institucional para desarrollar nuestro trabajo y difundir nuestro arte.

Esto incluye acceso a financiamiento para proyectos, espacios de exhibición, cursos, talleres, residencias artísticas y programas de intercambio para mejorar nuestras habilidades técnicas y conceptuales. Actualmente, continuamos los artistas avanzando por el apoyo familiar, amigos o instituciones privadas que apuestan por nosotros. Es una labor titánica y de mucho sacrificio que en muchos casos es agobiante y genera deserción.

Es por eso que admiro a los y las artistas que tienen 30, 40 o 50 años de labor ininterrumpida realizando Arte pese a las dificultades. Hoy el Perú vive no solo crisis económica, social y política, sino sobre todo moral y eso genera en mí zozobra sobre mis estudiantes de arte, futuros artistas, y cómo su labor se verá después de 10 o 20 años y cómo esto afectará en su desempeño laboral artístico.

8. ¿En qué estás trabajando actualmente? ¿Hay algún proyecto futuro que te gustaría compartir con nuestros lectores?

Continúo trabajando sobre la niñez, las infancias fracturadas, la violencia contra quienes no pueden defenderse y preparando obras para mi undécima individual.

Asimismo, estuve exponiendo en Madrid y últimamente en la Feria de Arte Contemporáneo – Art Motiv 2025 en el Museo Amano. “Medusa” es una obra que analiza la versión del poeta griego Oviedo sobre la violación ocasionada por Poseidón en el Templo de Atenea. Me pareció curioso que durante siglos ha sido retratada con sus cabellos de serpiente como una mujer temida y que se colocaba en los escudos de guerra, pero no se la representa como esa mujer frágil víctima de un abuso. La mirada de los artistas hombres se ha perpetuado por siglos, debemos dar una nueva lectura a los mitos y leyendas de cualquier tipo.

Actualmente, integro el colectivo “Sin Verbo” estamos exponiendo en Tierra Baldía “Manual para extinguir lo intacto” cada pieza funciona como una página de un manual ficticio que no enseña a conservar, sino a mirar desde la grieta; en lugar de restaurar lo perdido, propone habitar la transformación, aceptar la herida como parte del proceso vital. Aquí presento tres obras de mediano formato una de las obras se titula “Petro porque me has negado” donde invito a la reflexión sobre el papel que viene desempeñando la Empresa Petro Perú hasta el momento.

Agradezco a Cuenta Artes por esta oportunidad que me brinda para contar un poco de mi labor artística y que conozcan de una forma más cercana mi trabajo y mis propuestas.

Sobre la artista:

Cora Calderón Artista Plástica Profesional ha obtenido distinciones como reconocimiento por su trayectoria artística de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos en el 2016, y su obra ha recibido el Primer Premio Winsor & Newton, Premio Internacional de Dibujo en Argentina. Uno de sus dibujos de gran formato fue seleccionado y adquirido por el museo en la 11ª Bienal Internacional de Grabado y Dibujo en el Museo de Arte de Taiwán, asimismo, fue seleccionada en la Bienal CALIU España. Actualmente, cuenta con 10 individuales e innumerables colectivas nacionales e internacionales, cuenta con una Maestría en Docencia Universitaria y Gestión Educativa labor que ejerce, es miembro del Registro Nacional de Trabajadores y Organizaciones de las Industrias Culturales y Artes, cofundadora de Taller Bellas Artes y del Grupo Camaná 878. Ha realizado proyectos artísticos como “Guerreras libros de artista”, “Naipes”, “Identidad…ÉS”, “Zapateando” y  “YAKUMANIA”.

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